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festival de cannes - Page 9

  • Soutenez la restauration des "Parapluies de Cherbourg" de Jacques Demy (palme d'or du Festival de Cannes 1964)

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    Qui n'a pas été "en-chanté" par "Les Parapluies de Cherbourg", le film de Jacques Demy qui reçut la Palme d'or en 1964? Malheureusement, celui-ci doit être restauré pour pouvoir être projeté au prochain Festival de Cannes dans la section "Cannes Classics"...et cela dépend de vous!
     
     Il faut en effet réunir 25.000 € en 45 jours pour terminer la restauration du film afin qu'il soit prêt pour Cannes Classics 2013.

    De nombreuses surprises sur le film sont à partager en échange des contributions :
     
     - pellicule originale
     - catalogue de l'Exposition "Le monde enchanté de Jacques Demy"
    à la Cinémathèque française
     - photos d'exploitation vintage
     - projection privée
     - copie 35 mm du film

    etc
     
     Pour en savoir plus, cliquez sur le lien ci-dessous, n'hésitez pas à contribuer et partager
    http://www.kisskissbankbank.com/il-faut-sauver-les-parapluies-de-cherbourg
     

     

    Et un reportage sur la restauration du film "Lola" qui vous expliquera mieux à quoi servira cet argent:

    Suivez le Festival de Cannes 2013 en direct sur les blogs inthemood: http://inthemoodforfilmfestivals.com (blog entièrement consacré au Festival de Cannes 2013 à partir du 15 Avril 2013) , http://inthemoodforcannes.com , http://inthemoodlemag.com , http://inthemoodforcinema.com .

     

    Catégories : CANNES CLASSICS Lien permanent 0 commentaire Pin it! Imprimer
  • Président du jury du Festival de Cannes 2013 : en attendant ...

    nanni.jpg

    L'an passé, c'est le 20 janvier que le nom du Président du jury du Festival de Cannes 2012 (l'acteur cinéaste italien Nanni Moretti) avait été annoncé. L'annonce du Président du jury de ce 66ème Festival de Cannes ne saurait donc tarder. Qui aimeriez-vous voir comme Président du jury?

    Même si le festival alterne souvent entre comédiens et réalisateurs (ou comédiens/réalisateurs dans le cas de Nanni Moretti, l'an passé, ou de celui de Robert De Niro en 2011), les réalisateurs, depuis quelques années, sont plus nombreux à avoir eu cet honneur contrairement aux débuts du festival: historiens et écrivains présidaient alors le jury.

     En général, la nationalité du Président diffère de celle de celui de l'année précédente donc ce ne sera vraisemblablement pas un Italien cette année.

     Pourrait-il s'agir d'un Américain après deux présidents américains deux années successives (Tim Burton, en 2010 ou Robert De Niro en 2011). Ou plutôt un Français puisque le dernier fut une présidente: Isabelle Huppert en 2009. Une femme française pour répondre à la polémique (absurde) sur l'absence de femmes dans la compétition officielle l'an passé? Ou pourquoi pas une réalisatrice scénariste néo-zélandaise comme Jane Campion? C'est d'ailleurs une femme qui a été la seule personnalité à obtenir deux fois l'honneur de présider le jury : Jeanne Moreau en 1975 et 1995.

    J'arrête là mes supputations et vous informerai bien entendu du nom du Président ou de la Présidente dès qu'il sera connu.

     Si vous souhaitez en savoir plus sur la manière dont le Président du jury est sélectionné, je vous invite à lire cette interview du Délégué Général du Festival, Thierry Frémaux. 

    Catégories : IN THE MOOD FOR NEWS Lien permanent 0 commentaire Pin it! Imprimer
  • "Tree of life" de Terrence Malick en ouverture du Festival de Cannes 2010 ?

    treeoflife.jpgLes premières rumeurs commencent à circuler concernant le Festival de Cannes 2010 et notamment celle, persistante, de "Tree of life" de Terrence Malick (La Ligne rouge, Le nouveau monde...) comme film d'ouverture, le 12 mai.

    Le film pourrait ainsi être distribué en France à cette date et la sortie américaine serait alors repoussée à novembre. 

    De quoi faire une très belle montée des marches pour le premier jour du festival puisqu'on retrouve notamment au casting des habitués de la Croisette: Brad Pitt et Sean Penn.

    Je vous informe bien entendu dès que j'ai davantage de précisions.

    Synopsis : Texas, fin des années 60, Jack l'aîné d'une fratrie de trois, vient de perdre son frère cadet, RL. Devant cette fatalité de la vie, Jack se souvient de son enfance, des doux moments où il était encore le seul fils, grandissant dans la félicité procurée par l'amour inconditionnel de sa mère. La travée de la mémoire s'ouvre... et tout lui revient... les petits frères qui mobilisent l'attention de la mère, la discipline d'un père absent et autoritaire. Jack se laisse envahir par les souvenirs du passé et c'est ainsi qu'au gré de ses expériences, de son parcours initiatique, et au rythme de la perte progressive de ses illusions et de son innocence, nous explorons le cycle de la vie qui n'en finit plus de tourner autour de nous et qui nous précipite tantôt vers le bonheur tantôt vers le drame. The Tree of Life nous propose une profonde réflexion sur le sens de l'aventure humaine.

    Autres articles à lire actuellement sur les autres blogs "in the mood":

    Critique de "The Ghost-Writer" de Roman Polanski

    En direct du Festival du Film Asiatique de Deauville 2010

    Vanessa Paradis dans le spot "Rouge Coco" de Chanel

    Catégories : OUVERTURE (cérémonies/films) Lien permanent 0 commentaire Pin it! Imprimer
  • Mention spéciale Un Certain Regard 2009- "Le Père de mes enfants" de Mia Hansen-Love

    leperede.jpg

    Peut-être vous en souvenez-vous : en 2005 quelques jours avant le triomphe aux César de « Quand la mer monte » de Yolande Moreau et Gilles Porte qu'il avait produit, le producteur de films indépendants (notamment de Youssef Chahine, Elia Suleiman, Sandrine Veysset...) Humbert Balsan se suicidait. Mia Hansen-Love l'avait rencontré, un an auparavant, ce dernier voulait en effet produire son premier film « Tout est pardonné ».  De sa rencontre avec cet homme passionné est né son désir de réaliser ce film... même s'il ne s'agit nullement (je vous rassure...) d'un biopic.

    Le producteur dont Mia Hansen-Love nous parle ici s'appelle Grégoire Canvel (Louis-Do Lencquesaing), il dirige avec passion sa société de production « Moon films ». Il  a, a priori,  tout pour lui. Une femme qu'il aime (Chiara Caselli), trois filles délicieuses, un métier qui le passionne, producteur de films donc. Pas le producteur caricatural avec cigares, limousines, cynique et désabusé mais un producteur de films indépendants pour qui le cinéma est la vie, sa vie, qui s'investit (et investit) pleinement dans chaque projet. Révéler les cinéastes, accompagner les films qui correspondent à son idée du cinéma, libre et proche de la vie, voilà sa raison de vivre, sa vocation. C'est un homme hyperactif qui ne s'arrête jamais à l'exception des week end, à la campagne, et en famille, et encore... les téléphones portables vissés aux oreilles. Mais à force de produire trop de films et de prendre trop de risques Grégoire va mettre en péril sa société... et surtout son propre équilibre.

    Rarement un film aura réussi à nous faire éprouver une telle empathie pour une famille et les personnages qui la composent et cela dès les premières minutes, la première séquence nous embarquant d'emblée dans l'enthousiasme, l'énergie du bouillonnant Grégoire. C'est néanmoins d'abord dû à l'humanité, la délicatesse avec laquelle Mia Hansen-Love les filme, nous plongeant dans leur intimité tout en leur laissant leur voile de mystère, mais surtout à la personnalité de son personnage principal, à sa façon de le filmer, et à l'acteur qui l'incarne.

    Grégoire vibre constamment pour le cinéma, il s'emballe, croit en des cinéastes que personne ne connaît, les défend contre vents et marées, contre la raison parfois, souvent. Il défend un cinéma qui prend le temps du sens, comme lui n'économise pas son temps pour le défendre. Charmant, charmeur, rayonnant, charismatique, de lui émane une impressionnante et séduisante prestance.  Il s'engage pleinement, inconditionnellement, il n'y a plus de distance entre le cinéma et la vie. Le cinéma est sa vie, même s'il a aussi une femme et trois filles aimantes. Plus que de nous montrer un homme outrancièrement déprimé, complètement anéanti, Mia Hansen-Love montre ses fêlures à peine perceptibles et comment son horizon  s'obscurcit subrepticement  au point qu'il en oublie, l'espace d'un fatal instant, celles qui l'entourent. Son geste restera mystérieux, il n'en est que plus bouleversant. Là encore Mia Hansen-Love a la délicatesse de la filmer de dos. Je suppose autant par pudeur que pour signifier le secret dont lui et sa mort resteront auréolés.

    Que dire de Louis-Do de Lencquesaing tant sa prestation est époustouflante ! Pas parce qu'il ferait de l'esbroufe. Non, parce qu'il donne un visage humain à ce producteur. Dans sa gestuelle bouillonnante, ses regards profondément empathiques qui parfois laissent entrevoir un voile d'ombre. Il EST ce producteur au point qu'on a vraiment l'impression de le voir exister. Il parvient à le rendre vivant, attachant, à la fois proche et mystérieux.

     Rien n'est jamais appuyé, tout est fait avec énormément de subtilité. Une simple boucle d'oreilles suffit à nous faire comprendre d'abord la distraction d'un père, obsédé par le cinéma, son amour aussi puis plus tard l'amour de sa fille qui prendra la relève.

    Même si la deuxième partie du film évoque un sujet sombre (la manière de vivre le deuil), le film est constamment éclairé d'une clarté rassurante, d'une belle luminosité, pas seulement formelle. Cette luminosité provient aussi de  la gaieté des enfants qui finit par prendre le dessus et qu'elle parvient à rendre si attachantes sans en faire des singes mièvres ou savants. C'est aussi la luminosité qui émanait de la personnalité de Grégoire qui semble subsister même après son décès mais aussi de son épouse (Chiara Caselli).

    D'ailleurs Mia Hansen-Love fait savamment jongler les contraires, son film étant lui-même coupé en deux parties, avant et après la mort, les deux étant finalement indissociables, la présence de l'absent se faisant toujours sentir (même mort il restera ainsi le père de ses enfants, bien évidemment), tout comme sont indissociables lumière et noirceur. Un film lumineux sur le secret et le deuil. Un homme solaire qui finira par se suicider, à la fois robuste et vulnérable, fort et fragile. Un film d'une belle clarté malgré le deuil et qui chemine ensuite vers une belle quête de lumière (comme en témoigne cette très belle scène avec les bougies qui ouvrent la voie). Son désir de vie, de construire, de créer et celui de mort qui s'affrontent. Sa mort étant ainsi la fin de quelque chose mais aussi le début d'une autre, de l'émancipation pour sa fille (forte présence d'Alice de Lencquesaing).

    C'est bien sûr un film sur le cinéma, sur l'engagement, l'investissement pécuniaire (Mia Hanse-Love n'élude pas la question et montre à quel point il peut être aliénant) et surtout personnel qu'il représente, le caractère indissociable entre vie professionnelle et privée quand la matière principale d'un métier comme celui-là est humaine, et donc si complexe et fragile.

    Mais, par-dessus-tout, ce film possède ce grand quelque chose si rare et indéfinissable qui s'appelle la grâce. Sans doute en raison de la profonde sensibilité de la réalisatrice et de celui qui a inspiré son film mais aussi par l'universalité des situations et le caractère si attachant des personnages malgré (et à cause de ) leurs mystères.

    Un film qui a l'ambivalence et les nuances de la vie : à la fois lumineux et mélancolique, tragique et plein d'espoir, mystérieux et séduisant. Un film qui m'a bouleversée comme je ne l'avais pas été depuis longtemps au cinéma. La musique de la fin qui vous rappellera un classique du cinéma m'ayant complètement achevée.

    Ce film a la malchance de sortir le même jour que le rouleau compresseur « Avatar ». Que le second ne vous empêche pas d'aller voir le premier. Je vous le recommande sans aucune réserve.  « Le Père de mes enfants » a reçu la mention spéciale Un certain regard à Cannes.

    Catégories : UN CERTAIN REGARD Lien permanent 0 commentaire Pin it! Imprimer
  • Compétition officielle 2009- "Etreintes brisées" de Pedro Almodovar

    Quelques semaines après le Festival de Cannes, je suis retournée voir "Etreintes brisées" de Pedro Almodovar, dans un contexte dépassionné. En voici ma deuxième critique:

    etreintes.jpg

    Lorsque vous voyez un film dans l’effervescence du Grand Théâtre Lumière, dans l’euphorie cannoise, de surcroît à côté de l’équipe du film, votre avis est forcément vicié et imprégné de cette atmosphère excessive, c’est pourquoi j’ai tenu à retourner voir « Les Etreintes brisées » quelques jours après l’avoir vu sur la Croisette. Inutile de spécifier à quel point c’est étrange de voir un film dans une salle quasiment vide, qui ne réagit donc pas,  après l’avoir vu quelques jours auparavant en présence de l’équipe du film avec un public particulièrement réactif. Alors ? Alors, même loin de l’agitation cannoise, certes « Les Etreintes brisées » n’est pas le film le plus fou, le plus extravagant, le plus délirant de Pedro Almodovar mais il n’en demeure pas moins remarquable à de nombreux points de vue… et l’un de ses meilleurs films, peut-être même le plus maîtrisé. En tout cas, l’un de mes favoris de cette compétition cannoise 2009 avec, notamment « Inglourious Basterds » de Quentin Tarantino (que Pedro Almodovar, en cinéphile, est d’ailleurs allé voir en séance du lendemain).

     

    Synopsis : Il y a 14 ans, dans un violent accident de voiture dans l’île de Lanzarote, un homme (Lluis Homar) a perdu la vue mais aussi la femme de sa vie, Lena (Penelope Cruz). Sa vie se partage alors en deux parties à l’image de ses deux noms : Harry Caine, pseudonyme ludique sous lequel il signe ses travaux littéraires, ses récits et scénarios ; et Mateo Blanco, qui est son nom de baptême sous lequel il vit et signe les films qu’il réalise. Après l’accident, il n’est alors plus que son pseudonyme : Harry Caine. Dans la mesure où il ne peut plus faire de films, il s’impose de survivre avec l’idée que Mateo Blanco est mort à Lanzarote aux côtés de Lena.

     

    Pedro Almodovar, habitué de la Croisette et de la compétition cannoise (juré en 1992, en compétition pour « Tout sur ma mère » en 1999- prix de la mise en scène -, pour « La mauvaise éducation » en 2004 –présenté hors compétition- ; pour « Volver » en 2006 –prix du scénario et d’interprétation collectif-) est, cette année reparti bredouille pour un film dont la mise en scène d’une impressionnante beauté et maîtrise,  le scénario impeccable et l’interprétation remarquable de Penelope Cruz auraient pourtant pu lui permettre de figurer au palmarès, à ces différents titres.

     

    Aussi invraisemblable que cela puisse paraître certains cinéastes ne sont pas des cinéphiles (j’aurais bien des exemples mais je m’abstiendrai) mais au même titre que Picasso maîtrisait parfaitement l’histoire de la peinture, condition sine qua non au renouvellement de son art, il me semble qu’un cinéaste se doit de connaître et d’être imprégné de l’histoire du cinéma, comme Pedro Almodovar qui, dans ce film, en plus de témoigner de sa cinéphilie livre une véritable déclaration d’amour au cinéma (il rend notamment hommage à Hitchcock, Antonioni, Malle, Rossellini… ).  Et à Penelope Cruz qu’il sublime comme jamais, en femme fatale, brisée et forte, à la fois Marylin Monroe, lumineuse et mélancolique, et Audrey Hepburn, gracile et déterminée.

     

    « Les Etreintes brisées » est un film labyrinthique d’une grande richesse : un film sur l’amour fou, le cinéma, la fatalité, la jalousie, la trahison, la passion, l’art. Un film dans lequel,  à l’image du festival de Cannes, cinéma et réalité se répondent, s’imbriquent, se confondent.

     

    La mise en abyme, à l’image de tout ce film, est double : il y a d’une part le film que réalise Harry Caine mais aussi le making of de son film.  Harry Caine est lui-même double puisque c’est le pseudonyme de Mateo Blanco. Il meurt doublement : il perd la vue, la cécité étant la mort pour un cinéaste ; il perd la femme qu’il aime, une étreinte brisée qui représente la mort pour l’homme amoureux qu’il est aussi. Un film morcelé à l’image de ces photos en mille morceaux de Lena, d’une beauté tragique.

     

    Et puis que dire de la réalisation… Flamboyante comme ce rouge immédiatement reconnaissable comme celui d’un film de Pedro Almodovar.  D’un graphique époustouflant comme ce film que Mateo Blanco réalise. Sensuelle comme ces mains qui caressent langoureusement une image à jamais évanouie. Son scénario joue avec les temporalités et les genres (film noir, comédie, thriller, drame) avec une apparente facilité admirable.

     

    Peut-être la gravité mélancolique a-t-elle désarçonnée les aficionados du cinéaste qui n’en oublie pourtant pas pour autant sa folie jubilatoire comme dans ce film dans le film « Filles et valises », hommage irrésistible à « Femmes au bord de la crise de nerfs ».

     

    Un film gigogne d’une narration à la fois complexe et limpide, romantique et cruel, qui porte la poésie langoureuse, la beauté mélancolique et fragile de son titre, un film qui nous emporte dans ses méandres passionnées, un film pour les amoureux, du cinéma. Un film qui a la beauté, fatale et languissante, d’un amour brisé en plein vol… Un film qui a la gravité sensuelle de la voix de Jeanne Moreau, la beauté incandescente d’une étreinte éternelle comme  dans « Voyage en Italie » de Rossellini, la tristesse lancinante de Romy Schneider auxquels il se réfère.

     

    Penelope Cruz, d’une mélancolie resplendissante, pour cette quatrième collaboration,  aurait de nouveau mérité le prix d’interprétation et sa prestation (mais aussi celles de tous ses acteurs et surtout actrices auxquels il rend ici hommage, parfois juste le temps d’une scène comme pour Rossy de Palma)  prouve à nouveau quel directeur d’acteurs est Pedro Almodovar qui sait aussi, en un plan, nous embraser et embrasser dans son univers, immédiatement identifiable, la marque, rare, des grands cinéastes.

     

    Un film empreint de dualité sur l’amour fou par un (et pour les) amoureux fous du cinéma… le cinéma qui survit à la mort, à l’aveuglement, qui sublime l’existence et la mort, le cinéma qui reconstitue les étreintes brisées, le cinéma paré de toutes les vertus. Même celle de l’immortalité… Un film par lequel je vous recommande vivement de vous laisser charmer et enlacer…

    Catégories : COMPETITION OFFICIELLE Lien permanent 0 commentaire Pin it! Imprimer
  • "Canine" de Yorgos Lanthimos (Prix Un Certain Regard 2009)

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    Un film grec vous disais-je hier, l'argument était suffisant pour que je m'y précipite, tout ce qui concerne la Grèce de près ou de loin m'intéressant. Mon enthousiasme s'arrêtera là, « Canine » étant l'exact contraire de tout ce qu'évoque la Grèce pour moi... donc je vais tenter de mettre de côté mon attachement viscéral à ce pays pour vous parler de ce film.

    Loin de l'atmosphère chaleureuse, lumineuse, ensorcelante que peut évoquer la Grèce pour moi c'est ici, en pleine campagne, derrière les hauts murs d'une maison où vivent un couple et leurs trois enfants (qui ont allègrement dépassé la vingtaine) qui ne les ont jamais quittés, que se joue l'intrigue.  Ils ne connaissent rien du monde extérieur si ce n'est ce que leurs parents leur en laissent entendre. Ainsi les seules vidéos que les enfants regardent sont des vidéos familiales dont ils connaissent  les dialogues par cœur comme les répliques d'une fiction. Seul le père sort de la maison pour aller travailler dans son entreprise et la seule personne de l'extérieur à venir  dans la maison est Christina, agent de sécurité dans ladite entreprise qui vient assouvir les besoins sexuels du fils sur recommandation du père. Derrière ces murs, les parents recréent donc un monde où ils façonnent et manipulent leurs enfants. Un monde carcéral. Une prison d'autant plus cruelle qu'elle se trouve sous le soleil insolent de Grèce, dont quelques airs de musique écoutés dans la voiture par le père et Christina rappellent la beauté, la liberté, le bouillonnement de vie indissociable de ce pays.

    Voilà typiquement le genre de film qui m'agace prodigieusement, agace plus que dérange tant le propos du film est surligné. Et l'hypocrisie qui consiste à crier au génie sous prétexte qu'un film dérangeant serait forcément un chef d'œuvre (le film en question a obtenu le prix Un Certain Regard et le prix de la  jeunesse au dernier Festival de Cannes) m'agace encore davantage. Qu'est-ce qui me dit qu'il s'agit là d'hypocrisie me direz-vous... En effet, simple supputation, néanmoins appuyée sur les réactions de rejet à la projection presse hier...étrangement en contradiction avec les critiques lues dans la presse.  Oui, voilà, un film dérangeant est forcément un chef d'œuvre. Et affirmer le contraire serait preuve d'incompréhension, d'ignorance, de principes moralisateurs, de contresens artistique. Pas forcément, et j'espère vous en convaincre.

    Le propos donc. Une allégorie jusqu'au-boutiste de la manipulation mentale, œuvre d'une éducation rigide et évidemment plus largement des dictatures, des totalitarismes dont Yorgos Lanthimos démonte ou plutôt tente de démonter (et démontrer) le mécanisme. Conditionnée, la famille (ou donc le peuple) se laisse asservir ne connaissant d'autre réalité, ni la nuance entre bien et mal, moralité et immoralité. Un zombie devient une fleur jaune. Les chats deviennent des créatures maléfiques et meurtrières. Et on ne peut accéder à l'âge adulte que lorsqu'on a perdu une canine (d'où le titre...).  L'univers devient absurde pour un regard extérieur et normal pour ceux qui y vivent. En insérant dans la banalité  ces situations qui mettent néanmoins en scène des êtres opprimés, niés, il confronte les regards, et en renforce l'étrangeté en leur donnant un cadre a priori familier. L'idée était donc plutôt intéressante. De même que le cadrage, rectangulaire, rigide, parfois ne montrant pas les visages de ces êtres alors déshumanisés. Sans âme. Sans visage soudain.

    De l'absurde de certaines situations résulte un humour très noir et les rires proviennent davantage du malaise devant une telle imagination dans la manipulation et la perversité, voire du dégoût que de la jubilation. Un film jubilatoire ai-je lui ça et là... !! Mais n'est-ce pas là aller totalement à l'encontre du message du réalisateur ? En nous montrant le totalitarisme à l'échelle familiale, il en démonte aussi les mécanismes pervers, absurdes, terrifiants, malsains.

    Et c'est là qu'arrive la limite du film. Parce que Lanthimos n'est ni Ionesco (là aussi l'homme devient animal) ni Haneke et il croit visiblement que pour faire comprendre et donner de la force au propos, il faut tomber dans la surenchère. De nudité. De perversité. De transgression. D'asservissement. De bêtise.  Ne jamais utiliser le hors champ. Montrer, tout montrer. De préférence en plan fixe et en gros plan pour accroître le malaise. Du coup le propos en perd de la force.  Ce qui est excessif en devient insignifiant. Vulgaire. Vain.  Et Yorgos Lanthimos semble lui-même se complaire dans ce que son film aurait pu brillamment dénoncer, et forcer ainsi le spectateur à en devenir complice.

    Ce film me fait penser à ces gens, régulièrement invités sur des plateaux de télévision pour y déverser leur brillante logorrhée, qui maîtrisent parfaitement la rhétorique, que personne n'ose et ne sait contredire, non pas parce qu'ils édicteraient des vérités incontestables mais parce qu'ils savent tellement bien habiller la forme, que personne n'estime avoir le droit de remettre en cause le fond... vide bien souvent mais en apparence savamment habillée comme irréfutable.  Des propos qui, finalement, endorment, au lien de réveiller la conscience. Comme une séance d'hypnose. Et on se demande alors si, finalement ici, les pantins ne sont pas davantage les spectateurs que les personnages (les enfants manipulés par leurs parents) à moins que le réalisateur ne soit un tel génie que ce soit là son but implicite : nous démontrer ainsi la fascination perverse pour ce régime...  Sans quoi ce n'est (ou ne serait) qu'un beau gâchis. Une vulgaire illusion. Dommage : l'idée était belle...mais une idée aussi belle soit-elle ne peut tout justifier ou excuser. Surtout pas la démagogie.

    Et si, malgré cela, vous avez encore envie d'y aller et voulez vous faire votre propre avis, inthemoodforcinema.com, en partenariat avec mk2 vous fait gagner des places. Voir lien ci-dessous.

    Autres articles sur la Grèce sur inthemoodforcinema.com:
    Catégories : UN CERTAIN REGARD Lien permanent 0 commentaire Pin it! Imprimer
  • Les horaires des projections de la sélection officielle du Festival de Cannes 2009

      Téléchargez les horaires des projections de la sélection officielle du 62ème Festival de Cannes en cliquant ici!

    Je vous propose une partie de la programmation ci-dessous. Vous trouverez le reste en cliquant sur le lien ci-dessus. Je vous rappelle que tous ces films repassent en séances du lendemain dans la salle du 60ème (sur badge professionnel).

    COMPETITION OFFICIELLE 2009- PROGRAMMATION DU GRAND THEATRE LUMIERE

    MER/WED 13 mai

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    19.00  Cérémonie d’ouverture

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    23.00  UP H. C.   1h44 (Là-haut) de Pete Docter

    JEU/THU  14 mai

    8.30 15.00 22.30 FISH TANK  2h04 d’Andrea Arnold

    12.00 19.30  CHUN FENG CHEN ZUI DE YE WAN  1h55 ( Spring Fever /Nuits d’ivresse printanière) de Lou Ye

    VEN/FRI 15 mai

    8.30 15.00 19.30 BRIGHT STAR  2h00 de Jane Campion

    11.30 22.30  BAK-JWI  2h13 (THIRST /THIRST, ceci est mon sang…) de Park Chan-Wook

    SAM/SAT 16 mai

     8.30 15.00 18.30 UN PROPHÈTE  2h30 ( A Prophet ) de Jacques Audiard

    12.00 22.00  TAKING WOODSTOCK  2h00 d’Ang Lee

    DIM/SUN  17 mai

    veangeance2.jpg

    8.30 19.30 VENGEANCE  1h48 de Johnnie To

    16.30  KINATAY  1h40 de Brillante Mendoza

    LUN/MON  18 mai

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    8.30 14.30 19.30 LOOKING FOR ERIC  1h56 de Ken Loach

    11.30 22.30  ANTICHRIST  1h44 de Lars Von Trier

    MAR/TUE  19 mai

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    8.30 15.00 19.30 LOS ABRAZOS ROTOS  2h09 ( Broken Embraces /Étreintes brisées) de Pedro Almodóvar

    12.00 22.30  VINCERE  2h08 de Marco Bellocchio

    MER/WED  20 mai

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    8.30 12.15 19.00 INGLOURIOUS BASTERDS  2h40 de Quentin Tarantino

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    16.00  LES HERBES FOLLES  1h44 ( Wild Grass ) d’Alain Resnais

    JEU/THU  21 mai

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    8.30 18.30 À L’ORIGINE  2h30 ( In the Beginning ) de Xavier Giannoli

    12.00 22.00  DAS WEISSE BAND  2h24 ( The White Ribbon /Le Ruban blanc) de Michael Haneke

    VEN/FRI  22 mai

    11.30 22.30 THE TIME THAT REMAINS  1h49 d’Elia Suleiman

    14.30  ENTER THE VOID  2h30 (Soudain le vide) de Gaspar Noé 

    SAM/SAT 23 mai

     8.30 19.00 VISAGE  2h18 (Face) de Tsai Ming-liang

    12.00 22.30 MAP OF THE SOUNDS OF TOKYO  1h49 (Carte des sons de Tokyo) d’Isabel Coixet

    DIM/SUN  24 mai

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    19.15 Cérémonie de clôture

    23.00 COCO CHANEL & IGOR STRAVINSKY H. C.  1h58 de Jan Kounen

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  • L'hommage du Festival de Cannes à Fanny Ardant: critique de "La femme d'à côté" de François Truffaut

    A l'occasion de l'hommage que le Festival de Cannes 2009 rendra à Fanny Ardant, je vous propose, ci-dessous, ma critique de "La Femme d'à côté" de François Truffaut, déjà publiée sur mon autre blog "In the mood for cinema".

    "La femme d'à côté" de François Truffaut: l'amour à mort

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    François Truffaut, avec Alain Resnais, Claude Sautet,  Woody Allen, Alfred Hitchcock fait partie de ces cinéastes dont j’aime tous les films sans exceptions. J’ai d’abord découvert « Le Dernier Métro », « La Femme d’à côté », « L’Histoire d’Adèle.H »,  « La Mariée était en noir » avant la série des Antoine Doinel, puis « La Peau douce »  et je me souviens encore à quel point « La Femme d’à côté » m’avait marquée la première fois. Je l’ai revu bien souvent depuis et notamment avant-hier, à l’occasion de sa rediffusion sur Arte. Cette critique est la première d’une série que je consacrerai au cinéaste.

    Bernard Coudray (Gérard Depardieu) et Mathilde Bauchard (Fanny Ardant) se sont connus et aimés follement, passionnément, douloureusement, et séparés violemment, sept ans plus tôt. L’ironie tragique du destin va les remettre en présence lorsque le mari de Mathilde, Philippe Bauchard (Henri Garcin), qu’elle a récemment épousé, lui fait la surprise d’acheter une maison dans un hameau isolé, non loin de Grenoble, dans la maison voisine de celle qu’occupent Bernard, son épouse Arlette (Michèle Baumgartner), et leur jeune fils. (Une fenêtre sur cour que l’admirateur et grand connaisseur d’Hitchcock qu’était Truffaut n’a d’ailleurs certainement pas choisie innocemment.) Bernard et Mathilde taisent leur  passé commun à leurs époux respectifs et vont bientôt renouer avec leur ancienne passion.

    A mon sens,  personne d’autre que Truffaut n’a su aussi bien transcrire les ravages de la passion, sa cruauté sublime et sa beauté douloureuse, cette « joie » et cette « souffrance » entremêlées. Si : dans un autre domaine, Balzac peut-être, dont Truffaut s’est d’ailleurs inspiré, notamment pour « Baisers volés » (« Le Lys dans la vallée ») ou « La Peau douce » (Pierre Lachenay y donne ainsi une conférence sur Balzac). L’amour chez Truffaut est en effet presque toujours destructeur et fatal.

    La femme d’à côté est cette étrange étrangère au prénom d’héroïne de Stendhal, magnifiquement incarnée par la classe, l’élégance, le mystère, la voix ensorcelante et inimitable de Fanny Ardant, ici impétueuse et fragile, incandescente, ardente Fanny.

    Truffaut dira ainsi : "J'ai volontairement gardé les conjoints à l'arrière-plan, choisissant d'avantager un personnage de confidente qui lance l'histoire et lui donne sa conclusion : "Ni avec toi, ni sans toi ".  De quoi s'agit-il dans la "La Femme d'à côté" ? D'amour et, bien entendu, d'amour contrarié sans quoi il n'y aurait pas d'histoire. L'obstacle, ici, entre les deux amants, ce n'est pas le poids de la société, ce n'est pas la présence d'autrui, ce n'est pas non plus la disparité des deux tempéraments mais bien au contraire leurs ressemblances. Ils sont encore tous deux dans l'exaltation du "tout ou rien" qui les a déjà séparés huit ans plus tôt. Lorsque le hasard du voisinage les remet en présence, dans un premier temps Mathilde se montre raisonnable, tandis que Bernard ne parvient pas à l'être. Puis la situation, comme le cylindre de verre d'un sablier, se renverse et c'est le drame."

    Le rapport entre les deux  va en effet se renverser à deux reprises. Bernard va peu à peu se laisser emporter par la passion, à en perdre ses repères sociaux, professionnels et familiaux, à en perdre même la raison, toute notion de convenance sociale alors bien dérisoire. Le tourbillon vertigineux de la passion, leurs caractères exaltés, leurs sentiments dans lesquels amour et haine s’entremêlent, se confondent et s’entrechoquent vont rendre le dénouement fatal inévitable.  Chaque geste, chaque regard, chaque parole qu’ils échangent sont ainsi empreints de douceur et de douleur, de joie et de souffrance, de sensualité et de violence.

    Truffaut y démontre une nouvelle fois une grande maîtrise scénaristique et de mise en scène. Après « Le Dernier Métro » , la fresque sur l’Occupation avec ses nombreux personnages, il a choisi ce film plus intimiste au centre duquel se situe un couple, sans pour autant négliger les personnages secondaires, au premier rang desquels Madame Jouve (Véronique Silver), la narratrice, sorte de double de Mathilde, dont le corps comme celui de Mathilde porte les stigmates d’une passion destructrice. Elle donne un ton apparemment neutre au récit, en retrait, narrant comme un fait divers cette histoire qui se déroule dans une ville comme il y en a tant, entre deux personnes aux existences en apparence banales, loin de la grandiloquence d’Adèle.H, mais qui n’ en a alors que plus d’impact, de même que ces plans séquences dans lesquels le tragique se révèle d’autant plus dans leur caractère apparemment anodin et aérien. A l’image des deux personnages, la sagesse de la mise en scène dissimule la folie fiévreuse de la passion, et ce qui aurait pu être un vaudeville se révèle une chronique sensible d’une passion fatale. D’ailleurs, ici les portes ne claquent pas: elles résonnent dans la nuit comme un appel à l’aide, à l’amour et à la mort.

     Deux personnages inoubliables, troublants et attachants, interprétés par deux acteurs magnifiques. Truffaut aurait songé à eux pour incarner cette histoire, en les voyant côte-à-côte lors du dîner après les César lors desquels  « Le Dernier Métro » avait été largement récompensé.

    Il fallait un talent démesuré pour raconter avec autant de simplicité cette histoire d’amour fou, de passion dévastatrice, qui nous emporte dans sa fièvre, son vertige étourdissant et bouleversant, comme elle emporte toute notion d'ordre social et la raison de ses protagonistes. Un film qui a la simplicité bouleversante d’une chanson d’amour, de ces chansons qui « plus elles sont bêtes plus, elles disent la vérité ».

    Ce film sorti le 30 septembre 1981 est l’avant-dernier de Truffaut, juste avant « Vivement Dimanche » dans lequel Fanny Ardant aura également le rôle féminin principal.

    Un chef d’œuvre d’un maître du septième art : à voir et à revoir.

     Pour retrouver d’autres critiques de classiques du septième art sur « In the mood for cinema », rendez-vous dans la rubrique « Gros plan sur des classiques du septième art ».

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  • L'hommage du Festival de Cannes 2009 à Fanny Ardant: projection en avant-première de sa première réalisation "Cendres et sang"

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    © SND

    Le Festival de Cannes a décidé de rendre hommage à Fanny Ardant, notamment en  dévoilant son premier film, CENDRES ET SANG, en séance spéciale, le 22 mai, la veille de la clôture.

    "Dans la grande tradition des hommages cannois, c'est cette année Fanny Ardant que le festival a choisi d'honorer", a déclaré le délégué général du festival Thierry Frémaux. "L'occasion est belle puisque Fanny vient de réaliser son premier film qui démontre que les films d'acteurs se placent toujours de façon singulière dans le paysage cinématographique", a-t-il ajouté.

    Fanny Ardant a joué dans cinq films présentés à Cannes ces dernières années, dont quatre en compétition : RIDICULE (Patrice Leconte) en 1996, TROIS SOEURS (Margarethe Von Trotta) en 1988, LA FAMILLE (Ettore Scola) en 1987 et LES UNS ET LES AUTRES (Claude Lelouch) en 1981. Elle est également apparue dans ROMAN DE GARE (Claude Lelouch), programmé en séances spéciales en 2007.

    Elle  a par ailleurs été membre du jury de la sélection oficielle en 1990.

    Synopsis de "Cendres et sang":  Un été à Marseille. D'origine étrangère, Judit élève seule ses trois enfants depuis l'assassinat de son mari, dix ans plus tôt. L'aîné, Ismaël, est un garçon de 22 ans qui respire la joie de vivre. Son frère, Pashko,  20 ans, est beaucoup plus taciturne. Quant à Mira, 15 ans, elle est d'une grande gaieté, malgré sa surdité. A l'occasion d'une fête de mariage dans sa famille, Judith décide de revenir au pays avec ses enfants, après dix-huit ans d'absence. Mais son retour ravive les vieilles haines entre clans rivaux. Inexorablement, l'engrenage de la violence se met en marche, le sang versé appelant le sang...

    Casting: avec Ronit Elkabetz, Marc Ruchmann, Abraham Belaga, Claire Bouanich...

    Autre article lié à Fanny Ardant: ma critique de "La femme d'à côté" de François Truffaut avec Fanny Ardant...

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  • Le programme intégral de Cannes Classics 2009

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    Sous la présidence d’honneur 2009 de Martin Scorsese, Cannes Classics, section créée en 2004, accompagne les œuvres contemporaines de la Sélection officielle par un programme de films restaurés, de films retrouvés, dans le cadre de leur ressortie en salle ou en DVD. Les projections ont lieu dans le Palais des Festivals et les rediffusions à La Licorne.


    Le programme détaillé


    The Red Shoes / Les Chaussons rouges présenté salle Debussy

    Cannes Classics invite Martin Scorsese pour présenter le chef d’œuvre de Michael Powell et Emeric Pressburger, THE RED SHOES (Les Chaussons rouges, 1948, Royaume-Uni) restauré par UCLA Film & Television Archive, le BFI, la Film Foundation, ITV Global Entertainment Ltd. et Janus Films, avec l’aide financière de la Hollywood Foreign Press Association, la Film Foundation et la Louis B. Mayer Foundation. Le film sera présenté salle Debussy en présence de Martin Scorsese et de Thelma Schoonmaker-Powell.


    L’Enfer retrouvé, souvenirs d’Henri-Georges Clouzot

    En 1964, le tournage mouvementé du film L’ENFER d’Henri-Georges Clouzot, avec Romy Schneider et Serge Reggiani, est interrompu. Il ne sera jamais repris, le film ne sera jamais terminé, restant avec ses images et sa légende à l’état de mythe. En retrouvant les boîtes qui contenaient les essais et les plans déjà tournés, Serge Bromberg qui s’est fait connaître au sein de Lobster Films par son inlassable activité patrimoniale, a réussi une « recomposition » de l’œuvre disparue, créant ainsi un nouveau film qui permet au projet d’exister enfin.


    World Cinema Foundation 2009

    Inaugurée à Cannes en 2007 pour aider les pays en voie de développement à sauvegarder leur patrimoine cinématographique, la World Cinema Foundation, présidée par Martin Scorsese, présente trois films (restaurés ?) que viennent soutenir des cinéastes-parrains :
    A BRIGHTER SUMMER DAY d’Edward Yang (1991, 237’ Taiwan), version inédite.
    AL-MOMIA (La Momie) de Shadi Abdel Salam (1969, 103’ Egypte)
    REDES d’Emilio Gomez Muriel et Fred Zinnemann (1936, 61’ Mexique)

    Ajoutons que la World Cinema Foundation a aidé la Fondation Bergman qui présentera également JEUX DE TOURNAGE de Stig Björkman (29’ Suède), des images restaurées inédites, issus des « homes movies » tournés par Ingmar Bergman lui-même à chacun de ses films.


    Centenaire de Joseph Losey

    Cent ans après la naissance de Joseph Losey, dix ans après la disparition de Dirk Bogarde, son interprète principal, et un an après celle du dramaturge et scénariste Harold Pinter, ACCIDENT (1967, 105’ Royaume-Uni) restauré par le BFI National Archive et Studio Canal, sera présenté en leur hommage salle Buñuel. Il est à noter qu’une copie neuve de DON GIOVANNI (1979, 176’ Italie) sera projetée dans le cadre de la programmation thématique du Cinéma de la Plage.


     Documentaires sur le cinéma

    LES DEUX DE LA VAGUE (90’ France), un film d'Antoine de Baecque et Emmanuel Laurent.
    A l’occasion du cinquantenaire de la naissance de la Nouvelle vague, ce documentaire évoque la présentation à Cannes en 1959 des Quatre cent coups et la genèse de A bout de souffle, évoquant ainsi les débuts de deux des cinéastes emblématiques de la Nouvelle vague : François Truffaut et Jean-Luc Godard.

    PIETRO GERMI, IL BRAVO, IL BELLO, IL CATTIVO (60’ Italie) de Mario Bondí.
    La carrière et la personnalité d’un cinéaste injustement oublié : Pietro Germi, qui a montré sept de ses films en compétition au Festival de Cannes et obtenu la Palme d’Or en 1966 pour SIGNORE E SIGNORI (119’ Italie) dont une copie neuve sera également projetée, à l’occasion de la ressortie du film en salle.


    Une sélection de copies neuves et restaurées

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    L’AVVENTURA de Michelangelo Antonioni (1960, 143’ Italie), qui a inspiré l’affiche du Festival 2009. Copie neuve.
     

    AN UNS GLAUBT GOTT NICHT MEHR (Dieu ne croit plus en nous) d’Axel Corti (1982, 104’ Autriche). Copie restaurée par Le Pacte.
     

    GIU LA TESTA (Il était une fois… la révolution) de Sergio Leone (1971, 153’ Italie). Copie restaurée par Cineteca di Bologna, laboratoire Immagine Ritrovata.
     

    LOIN DU VIETNAM de Joris Ivens, William Klein, Claude Lelouch, Agnés Varda, Jean-Luc Godard, Chris Marker, Alain Resnais (1967, 115’ France). Copie restaurée par Archives françaises du film du CNC.
     

    PIERROT LE FOU de Jean-Luc Godard (1965, 107’ France). Restauration et projection numérique de Studio Canal.
     

    PRINCE YEONSAN de Shin Sang-ok (1961, 133’ Corée). Copie restaurée par Korean Film Archive, le laboratoire HFR.
     

    SENSO de Luchino Visconti (1954, 123’ Italie). Copie restaurée par StudioCanal, Centro Sperimentale de Cinematografia, Cineteca Nazionale, Cineteca di Bologna / l'Immagine Ritrovata, avec l’aide de GUCCI et la Film Foundation.

    LES VACANCES DE M. HULOT de Jacques Tati (1953, 88’ France). Copie restaurée par la Fondation Thompson, la Fondation Groupama Gan, Les Films de Mon Oncle et la Cinémathèque française.
     

    VICTIM (Victime) de Basil Dearden (1961, 101’ Angleterre). Copie neuve.
     

    WAKE IN FRIGHT (Réveil dans la terreur) de Ted Kotcheff (1971, 109’ Australie). Copie restaurée par le National Film & Television Archive.
     

    LES YEUX SANS VISAGE de Georges Franju (1960, 91’ France). Copie restaurée par Gaumont.

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